EMBARCADOS EN LA ESPERANZA
COMPROBAMOS SORPRENDIDOS,
QUE LA TRIPULACION DEL MUNDO
CONTINUA HACIA ADELANTE.
BUSCA TODAVIA UN MAÑANA MEJOR.
CON LA SEGURIDAD POR HORIZONTE,
BRINDAMOS POR UN AÑO QUE
NOS ACERQUE AL MEJOR DE LOS
PUERTOS: EL DE LA PAZ,
LA TOLERANCIA Y LA CONVIVENCIA.

10/11/09

José Hernández

En 1834, nace el poeta, político y periodista argentino José Hernández, autor de "Martín Fierro", obra cumbre de la literatura gauchesca.
Participó en el levantamiento militar del coronel López Jordán contra el gobierno de José Sarmiento, fue diputado provincial y, en 1880, siendo presidente de la Cámara de Diputados, favoreció la aprobación del proyecto de ley de federalización, con Buenos Aires como capital de la nación.
En los versos del "Martín Fierro" se reflejan todas las facetas de la vida en la pampa y, gracias a este poema, el gaucho se convirtió en un emblema de la argentinidad.
Todos los 10 de noviembre se celebra el día de la Tradición Argentina.

Obra

Se inició en la literatura con algunas composiciones poéticas cultas, sin mayor fortuna. Fue en la poesía gauchesca donde encontraría su inspiración.

En 1863 escribe Rasgos biográficos del general Ángel Peñaloza, en donde narra la vida de éste famoso caudillo riojano y que es llamado Vida del Chacho a partir de la segunda edición. Instrucción del Estanciero trata sobre las posibilidades económicas del campo argentino con consejos para el hombre de estancia. La descripción gaucha Los treinta y tres orientales y varios escritos dispersos que fueron recopilados póstumamente en Prosas del autor del Martín Fierro (1834-1886).

El 28 de noviembre de 1872 el diario La República anuncia El gaucho Martín Fierro (Martín en honor a Martín Güemes) y lo publica en forma de entregas. En diciembre aparece editado por la imprenta La Pampa, precedida por una importante carta del autor a su amigo y editor Don José Zoilo Miguens.

La obra comenzó a venderse en las zonas rurales. Era leída en grupo, en fogones o pulperías y su gran éxito se debió a que pintaba con veracidad las vicisitudes del gaucho y los paisanos se reconocían en la desgracia del protagonista.

En 1879 se publica la continuación de la obra, llamada La vuelta de Martín Fierro, en una edición ilustrada por Carlos Clérice. Ambas partes conforman el Martín Fierro, extenso poema nativo calificado de obra maestra en su género, que logra la interpretación sociológica de una época y de una sociedad, aúna lo lírico, lo descriptivo, lo satírico y lo épico, alcanzando los caracteres de una epopeya.

El gran mérito de José Hernández fue el de llevar a la literatura la vida de un gaucho contándola en primera persona, con sus propias palabras e imbuido de su espíritu. En el gaucho, descubrió la encarnación del coraje y la integridad inherentes a una vida independiente. Ésta figura era, según él, el verdadero representante del carácter argentino.

Lo que el autor no consiguió en su actividad política lo obtuvo por medio de la literatura. A través de la poesía consiguió un gran eco para sus propuestas, y el Martín Fierro fue su más valiosa contribución a la causa de los gauchos.

Obras

 

Para otros usos de este término, véase Martín Fierro (desambiguación).

Martín Fierro es un poema narrativo de José Hernández, obra literaria considerada ejemplar del género gauchesco en Argentina y Uruguay. Se publicó en 1872 con el título El Gaucho Martín Fierro, y su continuación, La vuelta de Martín Fierro, apareció en 1879.

Portada del libro

Narra el carácter independiente, heroico y sacrificado del gaucho. El poema es, en parte, una protesta en contra de las tendencias europeas y modernas del presidente argentino Domingo Faustino Sarmiento.

Aquí me pongo a cantar,

al compás de la vigüela
que al hombre que lo desvela
una pena estrordinaria,
como el ave solitaria

con el cantar se consuela.

José Hernández, primera estrofa del Martín Fierro.

Leopoldo Lugones, en su obra literaria El payador calificó a este poema como "el libro nacional de los argentinos" y reconoció al gaucho su calidad de genuino representante del país, emblema de la argentinidad. Para Ricardo Rojas representaba el clásico argentino por antonomasia. El gaucho dejaba de ser un hombre "fuera de la ley" para convertirse en héroe nacional. Leopoldo Marechal, en un ensayo titulado Simbolismos del "Martín Fierro" le buscó una clave alegórica. José María Rosa vio en el "Martín Fierro" una interpretación de la historia argentina.

Este libro ha aparecido literalmente en cientos de ediciones y fue traducido a más de 70 idiomas. La última fue al Quichua, tras nueve años de trabajo, por Don Sixto Palavecino y Gabriel Conti.

Fuente:http://es.wikipedia.org , http://encontrarte.aporrea.org

25/10/09

Pablo Picasso(España, 1881-1973)

   

Picasso

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber. Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas, a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro. Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco. Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos, los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.
En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de máscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado— que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos. Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de pequeños cubos, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art Institute, Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color juega un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó, Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Metropolitan Museum of Art), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917. El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso, París)— formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar, tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960. Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos.
Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno). Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros, en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí, más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España, aquí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid. El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Wesfalen, Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude, ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia. Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas, El hombre del carnero (1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins. © eMe

1924 - 43 años
Pablo vestido de arlequin
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 130 x 97.5 cm.
Museo: Museo Picasso. París


1937 - 56 años
Guernica
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 349,3 x 776,6 cm.
Museo: Museo Reina Sofia. Madrid

Web Recomendada:


www.picasso.fr

Georges Bizet

París, 25 de octubre de 1838 - Bougival, 3 de junio de 1875) fue un compositor francés perteneciente al periodo romántico. Llamado Georges por sus familiares y amigos, es conocido por este nombre, aunque su verdadero nombre era Alexandre César Léopold.

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Ocupación Compositor

Procedente de una familia de músicos, resultó ser un niño prodigio capaz de ingresar en el Conservatorio de París cuando tenía nueve años, siendo allí discípulo de Zimmermann, Marmontel y Halévy. En 1857 compartió un premio ofrecido por Jacques Offenbach con la ópera en un acto Le Docteur Miracle, y obtuvo el codiciado Premio de Roma. Según las condiciones de la beca, estudió en Roma durante tres años. Allí fue desarrollando su talento con obras tales como la Sinfonía en Do y la ópera Don Procopio. Aparte de este periodo de residencia en Roma, Bizet vivió en el área de París durante toda su vida.

Composiciones claves

Tras su estancia en Roma volvió a París donde se dedicó enteramente a la composición. En 1863 compuso Les pêcheurs de perles (Los pescadores de perlas) para el Teatro Lírico. Durante este periodo Bizet escribió también la ópera La jolie fille de Perth (La hermosa muchacha de Perth), su famosa L'Arlésienne (La arlesiana) escrita como música incidental para una obra de Alphonse Daudet, y la pieza para piano Jeux d'enfants (Juegos de niños). También escribió la ópera romántica Djamileh, que es normalmente tenida como la precursora de Carmen.

La obra más conocida de Bizet es su ópera Carmen, de 1875, que está basada en una novela de 1846 del mismo título debida a Prosper Mérimée. Influenciado por Giuseppe Verdi, compuso el papel de Carmen para una mezzo-soprano. No teniendo éxito inmediatamente, Bizet llegó a desanimarse por el supuesto fracaso, pero recibió alabanzas de compositores tan preclaros como Camille Saint-Saëns, Piotr Illich Tchaikovsky y Claude Debussy, quienes reconocieron sus méritos. Sus opiniones fueron proféticas, pues el tiempo ha hecho de Carmen una de las obras más populares del repertorio operístico.

Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito de Carmen. Unos pocos meses después del debut de la ópera, mientras se encontraba bajo los efectos de una grave depresión mental, murió a la temprana edad de 37 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue un fallo cardíaco debido a «reumatismo articular agudo». Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise de París.

Aunque esta faceta no sea muy conocida, Bizet fue un extraordinario pianista que mereció los elogios del propio Franz Liszt. Después de haberle escuchado interpretar una compleja partitura, Liszt dijo que consideraba a Bizet como uno de los pianistas más brillantes de Europa.

Enlaces externos

Johann Strauss (1825-1899)

Pues si Damas y Gérmenes, hoy se cumplen 110 años del fallecimiento de unojohann_strauss_jr de los compositores más importantes de la historia de la música, Johan Strauss II (el más famoso de la familia de compositores Strauss). Ya os comento que éste si no recuerdo mal, es la primera referencia que hacemos en HoySeCumplen a la música clásica, os comento que también redactaremos más aniversarios sobre ésta materia, que aunque haga muchos años nunca perderá su calidad, me refiero a la música clásica, vamos allá…

Johann Strauss (hijo) nació el 25 de octubre de 1825 en ST. Ulrich (Viena). Su padre también famoso compositor, nunca quiso que su hijo se hiciera músico y siempre deseó que éste trabajara en el mundo de la banca. Sin embargo el jovencísimo Johann se puso a estudiar violín paradójicamente enseñado por uno de los violinistas de la orquesta de su padre. Hay que decir que solo su madre le dio su apoyo para que Johann fuera compositor musical.

Cuando Johann fue descubierto por su padre y como él mismo comentó, solo tenía recuerdos de una escena desagradable y violenta, me imagino que le daría fuerte  …

Se comentó mucho en la época, que quizás su padre tenía miedo de que su propio hijo fuese su principal rival en el mundo de la música. Pues la verdad que su padre no se tomó muy bien esta decisión del chaval, y decidió abandonar a la familia y a irse con una amante, vaya tela…

A partir de ese momento, Johann Strauss II se puso las pilas y con solo 17 años y con la ayuda incondicional de su madre, comenzó el camino hacia la historia…

Strauss continuó con su formación y decidió estudiar junto a un conocido profesor de contrapunto y armonía (Joaquim Hoffmann). Pues así fue pasando el tiempo y coincidiendo con el mismo día que su madre se divorciaba de su padre, Johann se presentó ante las autoridades Vienesas y actuó en público para ellos. Paralelamente Johann fundó una pequeña orquesta donde contrataba a sus compañeros de escena de una famosa taberna austríaca Zur Stadt Belgrad.

Pues no os penséis que todo el camino de Johann fue de rosas, ya que muchas personas unidas al mundo de la música de la época, no se atrevían a contratarlo por miedo a que el padre pudiera tomar represalias contra ellos, tremendo. La prensa también se hacía eco de la rivalidad de ambos. Sin embargo hubo un establecimiento y más concretamente un casino (el Casino Dommayer) que se desmarcó de su padre que siempre había actuado allí, para contratar a Johann. Su padre entró en cólera y nunca más volvió a actuar allí.

El primer reconocimiento que tuvo Johann fue el de Maestro de Capilla del Segundo Regimiento de Ciudadanos de Viena. Voy a comentar otras de las trifulcas que tuvieron Johann y su progenitor y ya dejo aparcado este tema…

Resulta que no solo hubo rivalidad musical sino que incluso temas de política también separaron a ambos. Fue durante una revolución burguesa que hubo en Viena en 1848, cuando Johann apoyó a los revolucionarios y esto no gustó nada a su padre. Hizo varias obras musicales sobre ese suceso y ésto no le hizo ninguna gracia a la realeza austríaca que decidieron vetarle en uno de los títulos y reconocimientos más importantes como lo era el KK Hofballmusikdirecktor, en español, Director Musical del Baile de la Corte, que como no podía ser de otra manera le fue entregado dicho título a su padre, dándole un buen “bofetón” al bueno de Johann Strauss II.

Tampoco se libró el joven compositor de la cárcel, fue detenido por tocar en público La Marsellesa, mostrando su ideología revolucionaria, aunque al final fue felizmente absuelto.

A su padre le llegó el día que a todos los humanos nos acaba llegando tarde o temprano, el día de su viaje a Itaca, el día de su muerte vamos…

Murió de escarlatina en 1849 y para sorpresa de todos, Johann fusionó la orquesta de su padre con la suya, si hubiera levantado cabeza…

Johann compuso una serie de marchas patrióticas en homenaje al nuevo monarca de Austria, Francisco José I, tras la revolución de 1848.

Y ahora ya nos vamos a centrar en su carrera que es lo que a todos los que estáis leyendo el artículo seguro os interesa.

Johann logró superar con el paso del tiempo la fama de su padre y se convirtió en el indicutible rey del Vals. Viajó por Austria, Alemania y Polonia en numerosas ocasiones con su orquesta y para orgullo de todos los ciudadanos de dichos países, siempre que actuaba el compositor decían bien alto, Heut Spielt der Strauss! ,en español, ¡Hoy toca Strauss!. De todos modos no os creáis que Strauss solo tocaba ahí, también viajó por Italia, Francia, Gran Bretaña, Rusia e incluso en los Estados Unidos de América. Allí fue donde interpretó una de sus obras más conocidas, El Danubio Azul op. 314, vamos a escucharla…

* Danubio Azul - Johann Strauss

En este período de su carrera, Johann compuso otras grandes obras de éxito como Sängerfahrten op. 41, Mariposa nocturna op. 157, Accelerationen op. 234 o las polcas Annen op. 117, sin duda un maestro del vals, por eso se le conoció y se le conoce como El Rey del Vals.

En 1862 y repasando por encima un poco más de su vida, se casó con la cantante Hetty Treffz y postuló al título de Director Musical del Baile de la Corte, puesto que alcanzó en 1863, después de haberle sido negado en varias ocasiones por sus frecuentes trifulcas con las autoridades. Finalmente participó en el baile de la corte y consiguió así ser escuchado por la casa real de Austria.

Tiempo después se volvió a casar, siento deciros que no sé los motivos por los cuales no continuó con su primera mujer. Su segunda esposa fue la actriz Agelika Dittrich, con la cual tuvo una relación tormentosa ya que a la mujer no le gustaba el tipo de música que tocaba Johann, además de que la mujer no era demasiado discreta y contaba intimidades de su matrimonio con Strauss, y para más INRI todavía tenían posturas políticas opuestas. También tenían una gran diferencia de edad. Johann Strauss pidió finalmente el divorcio.

Haciendo referencia ahora a esto último que he explicado sobre el tema de su divocrcio, Johann tuvo problemas ya que no se separó por el método de la iglesia católica romana y esto le llevó a cambiar de religión y nacionalidad y se convirtió en ciudadano de Sajonia-Coburgo-Gotha. Con esta serie de problemas el austríaco buscó consuelo en la que sería su tercera esposa, Adele. Adele era de orígen judío al igual que su abuelo, y esto fue ocultado categóricamente por los nazis.

La verdad que la familia Strauss y sobre todo él, tuvieron un gran negocio ganado a pulso por la excelente calidad de sus composiciones. Strauss tuvo tanto trabajo a lo largo de toda su vida, que incluso lo tuvieron que ingresar en un sanatorio ya que sufrió de escalofríos y neuralgia. Lo ingresaron en dicho recinto en 1853. Que por cierto sus hermanos también le echaron un cable de vez en cuando, sustituyéndolo en varias de sus actuaciones cuando él se encontraba indispuesto. Su madre en todo momento intentó evitar que el negocio se fuese abajo, obligando entre comillas, a sus reacios hermanos que no estaban mucho por la labor en algunas ocasiones, para suplir a Johann.  Josef y Eduard eran sus dos hermanos y el más talentoso de los dos fue Josef, como reconoció el propio Johann en varias ocasiones diciendo “Josef es el más talentoso de ambos, yo simplemente soy el más popular”. Cabe decir que la opinión pública austriaca y en general, acogieron muy bien a sus hermanos. Por cierto que también hubo rivalidad entre Josef Y Johann aunque no alcanzó ni mucho menos la que tuvo con su padre, incluso se habló de que esa rivalidad fue positiva para el correcto desarrollo del vals.

En el apartado de admiradores y detractores o rivales, pues fueron famosas sus rivalidades con Emile Waldteufel, con el cual competía desde París. Con Jacques Offenbach éste le planteó un desafío a Strauss en el campo de la opereta. En este mundillo de la opereta en cuanto llegó a la luz pública el maestro Franz Lehár, desplazó claramente a Strauss en este género en el comienzo de la denominada Edad de Plata en Viena, hay que decir que en el campo de la opereta Strauss no triunfó ni mucho menos salvando El Barón Gitano y poco más. Sin embargo Strauss tuvo a compañeros de profesión menos envidiosos, como por ejemplo Richard Wagner que dijo que amaba el vals de Strauss. Richard Strauss, que por cierto nada tiene que ver con la familia aunque se apellidara Strauss, dijo en su día “¿Cómo puedo olvidar al sonriente genio de Viena?”. Con el pianista Johannes Brahms todo fue más allá de la admiración musical, y fueron grandes amigos. Johann Strauss le dedicó su vals Seid umschlungen, Millionen! op. 443, en español, ¡Sed abrazados por millones!, dicho tema fue inspirado en la Oda a la Alegría de Friedrich Schiller.

Y ya para ir finalizando la biografía interesante e histórica de hoy, pues os diré que Johann tuvo numerosos problemas de salud durante toda su vida aunque no fue hasta que cumplió los 73 años de edad, cuando realmente la muerte vino a buscarlo. Falleció el 3 de junio de 1899 víctima de una neumonía. Murió en pleno trabajo de la obra Aschenbrödel, en español, Cenicienta. Está enterrado en el Cementerio Central de Viena, Zentralfriedhof.

Y como último comentario digo que el legado de la música y composiciones que dejó Strauss para la historia de la música es muy amplio. Por ejemplo cada año en Viena se celebra el Concierto de Año Nuevo por la Orquesta Filarmónica de Viena, donde se toca la música de Strauss regularmente. Además, la Orquesta de Viena Johann Strauss que se fundó en 1966, le rinde homenaje durante las giras de la susodicha orquesta.

Me quedo con la frase que le dijo su mayor detractor y crítico compositor de música, Eduard Hanslick, en el momento de la muerte del compositor austriaco, dijo las siguientes palabras;

“La desaparición de Johann Strauss supondrá el final de los tiempos felices de Viena”


Johann Baptist Strauss R.I.P.


Video fabuloso con imágenes virtuales del Rio Danubio y como no, con música de Johann Strauss

Johann Strauss en la WIKIPEDIA (se incluyen todas sus obras), click aquí

20/10/09

Arthur Rimbaud

Lo primero que sorprende al estudiar la figura de Arthur Rimbaud es la precocidad y el corto espacio de tiempo en el que produce su obra. Consciente sin duda de que su vida iba a ser breve -pocos autores han sido tan autodestructivos como él- escribe todos su versos entre los 16 y los 20 años. Con posterioridad, olvidada por completo su actividad literaria, se dedica a las más diversas ocupaciones con un único interés: enriquecerse.

Nacido en el seno de la burguesía católica francesa, Jean-Nicolas-Arthur Rimbaud vino al mundo en Charleville el 20 de octubre de 1854. Fue su padre un extraño militar que, en el momento que sus ocupaciones en la guerra de Argelia se lo permitieron, redactó un ‘Corán’ anotado que nunca llegó a anunciar. A pesar de que, indiscutiblemente, el origen del esporádico interés por la literatura de nuestro poeta hay que buscarlo en esas veleidades literarias de su progenitor, Fréderic Rimbaud -el padre del prodigio- nunca llegó a anunciar nada.

Pese a la separación de sus padres, la infancia de Rimbaud es todo lo grata que puede serlo la de un hijo de la burguesía. “Alumno dócil, querido de sus maestros, aventajado en todas las disciplinas y ganador de todos los premios”, según alguno de sus biógrafos, el joven Arthur se “tuerce” tras la lectura de Théophile Gautier, Théodre de Banville, José María de Heredia, François Coppé y Paul Verlaine en ‘Le Parnasse contemporaine’. Lógicamente, será a dicha publicación a donde el poeta remita sus primeros versos; lógicamente además, no se los publican -según se ha escrito después puesto que en el momento que llegan el número en cuestión está cerrado-. Si anunciará, no obstante, ‘Les Étrennes des orphelins’ -que pasa por ser su primer poema- en la Revue pour tous. Corre el año 1870.

Cuando vuelve a Charleville sólo tiene una idea: “todo menos trabajar”. Del joven dócil y aplicado que meses atrás fuera no queda más que el recuerdo. De modo que en el momento que en París estalla la Comuna (1871), Rimbaud corre a la capital a reunirse con los comuneros. Junto a los revolucionarios redactará himnos y manifiestos, pero el burgués que hay en él no tardará en manifestarse: les abandona por sus groserías y la mala calidad de su dieta alimenticia. Es luego pues en el momento que el joven maestro, desengañado del ideal revolucionario, abraza el nihilismo, merced a ello concebirá algo inusitado hasta luego pues: una poesía que busca inspiración en la disipación, la negación absoluta de todos los valores -tanto los revolucionarios como los burgueses- y el abismo.

Rimbaud regresa a Francia para morir en Marsella en 1891. Su legado -una poesía que alcanza la grandeza por la negación de toda la tradición cultural- no tiene parangón.

Su influencia en la literatura moderna, en la música y en el arte es enorme. Rimbaud influyó en los siguientes artistas: en los poetas franceses posteriores en general, en los surrealistas, en los poetas beats, en Henry Miller, Anais Nin, William S. Burroughs, Pier Paolo Pasolini, Alejandro De Michele, Hugo Pratt, Mário Cesariny de Vasconcelos, Klaus Kinski, Patti Smith, Luis Alberto Spinetta, Bruce Chatwin, Penny Rimbaud, Jim Morrison, Mohamed, Bob Dylan, Kurt Cobain, Richard Hell, Joe Strummer, entre otros muchos.

Fuente: www.efemeride.net

Referencia Externa: www.clubdebrian.com

29/09/09

Miguel de Cervantes

 

Miguel de Cervantes Saavedra fue un novelista, poeta y dramaturgo español. Se supone que nació el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares y murió el 22 de abril de 1616 en Madrid, pero fue enterrado el 23 de abril y popularmente se conoce esta fecha como la de su muerte. Es considerado la máxima figura de la literatura española. Es universalmente conocido, sobre todo por haber escrito El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, que muchos críticos han descrito como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal. Se le ha dado el sobrenombre de Príncipe de los Ingenios.

Cervates jauregui.jpg
Retrato atribuido a Juan de Jáuregui (c. 1600). Actualmente ninguno de las representaciones gráficas de Cervantes se considera auténtica.

 


 

Enlaces externos

 

Fuente: Wikipedia

06/09/09

Cancion Para Un Niño En La Calle ..Mercedes Sosa-Calle 13

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